STATE OF MIND – Julia Bünnagel

Julia Bünnagel fragt in ihren neuen Werken nach einem inneren Ort, einem Zustand zwischen Ab- und Anwesenheit, Manifestation und Auflösung. Als Bildhauerin geht sie dabei vom Material und vom Körper im Raum aus.

Im Zentrum ihrer Installation steht die dreiteilige Flaggenskulptur Unflag. Drei Fahnenmasten stützen sich gegenseitig, ihr Gleichgewicht entsteht erst im Zusammenspiel. Die in Streifen geschnittenen Fahnen sind auf einer Seite spiegelnd, auf der anderen schwarz. Die Spiegelflächen werfen die Betrachtenden und den Raum bruchstückhaft zurück; die schwarze Seite erinnert an die schwarze Fahne, die historisch oftmals als Zeichen von Freiheit und Widerstand stand. Zerschnitten und spiegelnd verweigert Unflag das, was eine Fahne üblicherweise leistet, nämlich für eine eindeutige Identität einzustehen. So bildet sie eine Art Anti-Fahne”, die den Raum mit starker Präsenz einnimmt.

Auch in ihren Schriftarbeiten, den sogenannten Typocuts arbeitet Julia Bünnagel bildhauerisch. Sie schneidet eine eigens entwickelte Schrift in Pappe und thematisiert damit Sichtbarkeit und Verschwinden.

Schrift erscheint hier als Zeichensystem, das aus wenigen Grundelementen Bedeutung erzeugt. Lesbar werden die Worte durch eingefärbte Schnittkanten und farbig hinterlegte Leerstellen. Durch das Zusammenspiel zweier Farben beginnt die Schrift scheinbar zu flirren, sobald man sich vor ihr bewegt.

Titel wie Brave New Words, State of Mind, Slowing Down the World oder Let’s Get Lost umkreisen unterschiedliche Stimmungen.

Ihre Bodenskulptur Nothing Is Built to Last erinnert an eine Ruine. Was zerfällt, schafft zugleich Platz für Neues, und so trägt die Arbeit die Ambivalenz von Zerfall und Werden in sich. Daran knüpft die Schriftarbeit Destroy, She Said an. Ihre Aufforderung ist nicht nihilistisch, sondern befreiend und utopisch gemeint: Das Bestehende soll aufgebrochen werden, damit etwas Neues, noch Unbekanntes entstehen kann. Dieses Neue bleibt unbenannt.

Für die mit Kopfhörern erfahrbare Musikarbeit Lunatic hat Julia Bünnagel Schallplatten zersägt, bemalt und beklebt und durch diese Eingriffe den ursprünglichen Klang in Rauschen, Fragmente und Beats verwandelt.

STATE OF MIND – Lars Breuer

Lars Breuers Werk ist konzeptuell angelegt und bezieht sich auf Kunstgeschichte und Literatur. In seinen Leinwandarbeiten treffen expressive, farbintensive Formen auf klare, konstruktive Elemente. In seinen raumgreifenden Wandarbeiten setzt er eine eigens entwickelte Typografie ein. Die Schrift reagiert auf die Architektur, hebt unbeachtete Details hervor und macht den Raum selbst zum Thema.
Diesen Blick für das Unbeachtete überträgt er auch auf das Gemälde selbst.

Mit seinem neuen Bild State of Mind antwortet er auf Julia Bünnagels gleichnamige Schriftarbeit, die der Ausstellung ihren Titel gibt. Den Rahmen gestaltet er bewusst mit Acrylfarbe und sichtbarem Pinselduktus und macht ihn so zum Bestandteil des Werks.

Monochrome Flächen treffen auf organische Verläufe, wodurch die klare Begrenzung der Bildfläche aufbricht.

Seine beiden extrem schmalen Hochformate tragen die Titel Ohne Ende ohne Anfang und All Begins and Ends. Der eine verneint Anfang und Ende, der andere bejaht beides. Auch farblich wirken die Werke gegensätzlich. Gemeinsam ist ihnen die Auseinandersetzung mit Wiederholung und scheinbar endloser Reihung, die sich als Ausschnitt wie ein senkrechtes Band über die Bildfläche zieht.

So unterschiedlich ihre Mittel sind, beide arbeiten an der Schnittstelle von Raum und Sprache. Breuer stellt oft scheinbar gegensätzliche Begriffe nebeneinander, Bünnagel formuliert poetische Sätze, die an Songtitel erinnern. Beide haben eine eigene Schrift entwickelt und verstehen Worte nicht nur als Träger von Inhalten, sondern als Form, die einen Raum besetzt und verändert. Ihre kurzen, prägnanten Sätze bewegen sich zwischen Slogan und Zitat, verweisen oft auf Literatur und kreisen um ähnliche Fragen wie Anfang und Ende, Zerfall und Neubeginn, um den Raum und das Denken.

Wer ein Wort setzt, bezieht Stellung, auf der Wand wie im Raum. Dass Breuer mit einem eigenen Bild auf Bünnagels State of Mind antwortet, macht den Dialog der beiden unmittelbar sichtbar. Darin zeigt sich ein gemeinsamer „State of Mind“, eine innere Haltung, die beide teilen.

FACE TO FACE – Aneta Kajzer

Aneta Kajzers Malerei bewegt sich in einem schwebenden Zustand zwischen Abstraktion und Figuration. Ihre Bilder entstehen in einem intuitiven Malprozess, in dem sich Formen beständig wandeln und nie eindeutig festlegen lassen. Was zunächst abstrakt erscheint, kann bei genauer Betrachtung als Landschaft, Wetterphänomen, menschliche Figur oder organisch anmutende Wesen gesehen werden, die fließend ineinander übergehen.
Diese Offenheit entspricht einem zeitgenössischen Verständnis von Malerei, das starre Kategorien wie abstrakt und figurativ bewusst überwindet. Die Mehrdeutigkeit der Bilder wird durch eine äußerst sensible, den Motiven angepasste Farbigkeit verstärkt. Farbe wird dabei zum emotionalen und erzählerischen Medium und eröffnet Bildräume, in denen Vertrautes und Fremdes zugleich präsent sind.
Kajzers Arbeitsweise erzeugt eine traumartige, fließende Wirklichkeit: Figuren lösen sich im Hintergrund auf, Landschaften verwandeln sich in Körper, Farbspuren verdichten sich zu Gesichtern, Tieren oder hybriden Wesen, ohne jemals vollständig konkret zu sein. So hält ihre Malerei unterschiedliche Deutungsmöglichkeiten bewusst offen und wurde nicht zuletzt als eindringliche Reflexion über das Menschsein beschrieben.
Aneta Kajzer (*1989 in Kattowitz, Polen) zählt zu den prägenden Positionen der jüngeren zeitgenössischen Malerei in Deutschland. Internationale Aufmerksamkeit erlangte sie unter anderem durch ihre Teilnahme an der Ausstellung JETZT! Junge Malerei in Deutschland (2019/20). Zu ihren Auszeichnungen zählen das Arbeitsstipendium der Stiftung Kunstfonds (2019), das Marianne-Defet-Malerei-Stipendium (2021) sowie der Kallmann-Preis (2022). Ihre Werke befinden sich in bedeutenden öffentlichen Sammlungen, darunter die Bundeskunstsammlung, die Kunstsammlungen Chemnitz und das FRAC Auvergne (Frankreich). Zuletzt zeigte die Neue Galerie Gladbeck eine umfangreiche Einzelausstellung der Künstlerin.

FACE TO FACE – Ilse Henin

Ilse Henin (*1944 in Bad Godesberg) zählt zu jenen Künstlerinnen ihrer Generation, deren Werk sich über Jahrzehnte konsequent jenseits kunstmarktbestimmter Entwicklungen entfaltet hat. Nach dem Studium an der Kunstakademie Karlsruhe bei Horst Egon Kalinowski (1966–1970) entwickelte sie eine unverwechselbare zeichnerische und malerische Sprache, die politische Wachheit mit poetischer Imagination verbindet. Seit den frühen 1970er Jahren entstehen Arbeiten, die sich einer eindeutigen stilistischen Zuordnung entziehen und stattdessen einen eigenständigen Kosmos zwischen Figuration, Mythos und gesellschaftlicher Reflexion eröffnen.
Ilse Henins Werk wurzelt in ihrer Kindheit auf einem landwirtschaftlichen Hof, in späteren mehrfachen und längeren Aufenthalten in Südfrankreich, wo sie wichtige Kontakte zu dort lebenden Künstler*innen knüpfte, sowie in den gesellschaftlichen Umbrüchen der späten 1960er und frühen 1970er Jahre. Die Erfahrungen der Studentenrevolte, der Frauen- und Friedensbewegung und der ökologischen Proteste bildeten den historischen Rahmen ihres künstlerischen Denkens. Anders als viele politisch engagierte Positionen ihrer Zeit übersetzt sie diese Impulse jedoch nicht in illustrative Programmatik, sondern in eine vielschichtige Bildsprache, in der persönliche Erfahrung, kollektive Erinnerung und archetypische Symbolik miteinander verschmelzen.
Im Zentrum ihres Œuvres steht die Frage nach den Beziehungen zwischen Mensch, Tier und Natur. Ihre Zeichnungen und Gemälde bevölkern Figuren, Tiere und hybride Wesen, die als gleichwertige Akteure eines gemeinsamen Lebensraums erscheinen. Die Grenzen zwischen den Spezies verlieren ihre Eindeutigkeit; Verwandlung, Durchdringung und gegenseitige Abhängigkeit werden zu grundlegenden Strukturprinzipien ihrer Bildwelt. Damit antizipiert Ilse Henins Werk in bemerkenswerter Weise gegenwärtige Diskurse um ökologische Verantwortung, posthumanistische Denkmodelle und feministische Perspektiven auf das Verhältnis von Mensch und Umwelt.
Charakteristisch für ihre Arbeiten ist eine souveräne zeichnerische Handschrift. Mit sparsamen, zugleich hochpräzisen Linien entwickelt die Künstlerin komplexe Kompositionen von großer rhythmischer Dichte. Farbe tritt häufig als eigenständiger emotionaler und atmosphärischer Bildträger hinzu. Die Offenheit der Form lässt Raum für Assoziationen und verweigert eindeutige Lesarten. Traum, Erinnerung und Realität durchdringen einander, ohne ihre jeweilige Eigenständigkeit aufzugeben.
Obwohl Ilse Henin über Jahrzehnte kontinuierlich gearbeitet hat, blieb ihr Werk lange außerhalb des breiten kunsthistorischen Diskurses. Erst in jüngerer Zeit erfährt es die Aufmerksamkeit, die seiner Eigenständigkeit und Aktualität entspricht. Die Ausstellung Die unhintergehbare Verflechtung aller Leben in der Kunsthalle Düsseldorf (2023) machte sichtbar, wie gegenwärtig ihre Bildsprache angesichts heutiger Debatten um Feminismus, Klimakrise und gesellschaftliche Transformation erscheint. Ihre Arbeiten wirken dabei nicht retrospektiv, sondern überraschend zeitgenössisch – als hätte ihre künstlerische Haltung Entwicklungen vorweggenommen, die erst heute in ihrer ganzen Tragweite sichtbar werden.

SHOWROOM – Laura Aberham

ANDREAS ZAGLER – Showroom

In ihrem Wesen, hinterfragt die Werkgruppe der Farbobjekte das Verhältnis und die
Unterscheidung eines Bildes gegenüber anderen Dingen – wo verläuft die Grenze zwischen Bild
und Abbild, zwischen Realität und Imitation. Die Bilder dieser Werkgruppe bestehen aus
mehreren übereinander geschichteten, teilweise pastos aufgetragenen, Gesten und Flächen aus
Farbe, welche nicht nur das Konkrete der Malerei, sondern auch das Gestische, das Szenische
eines Stilllebens und das Wesenhafte eines Porträts verbildlichen. Die Schichtungen des
Farbmaterials bilden dabei das physische Zeugnis seiner Entstehung und transformieren diese
selbst zum Motiv des Bildes.
In seinen meist großflächigen, oft monochromen, Bildern bindet Zagler die Zeit und die Handlung
des Hinterlassens von Spuren auf die materielle, konkrete Fläche des Bildträgers. Er hebt diese
dadurch aus der zeitlichen und räumlichen Ordnung des Schaffens, in jene des statischen
Moments eines Bildes – die wiederkehrenden Aktionen und die Zeit werden zum zentralen
Bildmotiv – das Subjektive wird durch die künstlerische Handlung in eine objektive, visuell
tastbare Form überführt.
Die monochrome Reduktion lenkt den Blick weg von einer rein ästhetischen Komposition hin zu
der reinen Materialität und deren Veränderung. Jeder von Zagler vollzogene Eingriff hinterlässt
eine Markierung, Spur, die als bleibendes Zeugnis einer vergangenen Handlung fungiert. Diese
Einschreibungen verwandeln die Bildoberfläche in ein Archiv gelebter Zeit und vergangener
Handlungen. Zagler macht sichtbar, dass Existenz untrennbar mit dem Wirken auf Materie
verbunden ist.
Für ihn versinnbildlicht dieser Vorgang die menschliche Existenz: Das kontinuierliche Hinterlassen
von Spuren in einem zeitlich begrenzten Leben. Es rückt die Frage nach dem Verbleib und der
Sichtbarkeit des Einzelnen in den Mittelpunkt der Betrachtung.

Laura Etz

ANDREAS ZAGLER – Showroom

In ihrem Wesen, hinterfragt die Werkgruppe der Farbobjekte das Verhältnis und die
Unterscheidung eines Bildes gegenüber anderen Dingen – wo verläuft die Grenze zwischen Bild
und Abbild, zwischen Realität und Imitation. Die Bilder dieser Werkgruppe bestehen aus
mehreren übereinander geschichteten, teilweise pastos aufgetragenen, Gesten und Flächen aus
Farbe, welche nicht nur das Konkrete der Malerei, sondern auch das Gestische, das Szenische
eines Stilllebens und das Wesenhafte eines Porträts verbildlichen. Die Schichtungen des
Farbmaterials bilden dabei das physische Zeugnis seiner Entstehung und transformieren diese
selbst zum Motiv des Bildes.
In seinen meist großflächigen, oft monochromen, Bildern bindet Zagler die Zeit und die Handlung
des Hinterlassens von Spuren auf die materielle, konkrete Fläche des Bildträgers. Er hebt diese
dadurch aus der zeitlichen und räumlichen Ordnung des Schaffens, in jene des statischen
Moments eines Bildes – die wiederkehrenden Aktionen und die Zeit werden zum zentralen
Bildmotiv – das Subjektive wird durch die künstlerische Handlung in eine objektive, visuell
tastbare Form überführt.
Die monochrome Reduktion lenkt den Blick weg von einer rein ästhetischen Komposition hin zu
der reinen Materialität und deren Veränderung. Jeder von Zagler vollzogene Eingriff hinterlässt
eine Markierung, Spur, die als bleibendes Zeugnis einer vergangenen Handlung fungiert. Diese
Einschreibungen verwandeln die Bildoberfläche in ein Archiv gelebter Zeit und vergangener
Handlungen. Zagler macht sichtbar, dass Existenz untrennbar mit dem Wirken auf Materie
verbunden ist.
Für ihn versinnbildlicht dieser Vorgang die menschliche Existenz: Das kontinuierliche Hinterlassen
von Spuren in einem zeitlich begrenzten Leben. Es rückt die Frage nach dem Verbleib und der
Sichtbarkeit des Einzelnen in den Mittelpunkt der Betrachtung.

Laura Etz

ANDREAS ZAGLER – Physiognomien

In ihrem Wesen hinterfragt die Werkgruppe der Farbobjekte das Verhältnis und die Unterscheidung eines Bildes gegenüber anderen Dingen – wo verläuft die Grenze zwischen Bild und Abbild, zwischen Realität und Imitation. Die Bilder dieser Werkgruppe bestehen aus mehreren übereinander geschichteten, teilweise pastos aufgetragenen, Gesten und Flächen aus Farbe, welche nicht nur das Konkrete der Malerei, sondern auch das Gestische, das Szenische eines Stilllebens und das Wesenhafte eines Porträts verbildlichen.

Auch in seinen zwei großflächigen monochromen Bildern bindet Zagler die Zeit und die Handlung des Hinterlassens von Spuren auf die materielle, konkrete Fläche des Bildträgers. Er hebt diese dadurch aus der zeitlichen und räumlichen Ordnung des Schaffens, in jene des statischen Moments eines Bildes – die wiederkehrenden Aktionen und die Zeit werden zum zentralen Bildmotiv – der Prozess wird zum Bild.
Der Titel der Ausstellung „Physiognomien“ ist dabei gewissermaßen eine Umkehr jenes abstrakten Gedankens, der seinem künstlerischen Schaffen zugrunde liegt: Unsichtbares durch die Konkretheit des Materials zu binden, konservieren und sichtbar zu machen – es gibt dem Unsichtbaren ein Gesicht.

Text: Laura Etz

Showroom: Isabelle Borges

ASTRID BUSCH – Showroom

SOPHIA SCHAMA – S 5925 // EN

Sophia Schama’s abstract painting is characterized by the tension between surface and space. Although she forgoes representational motifs, her paintings create a strong three-dimensionality. Layers of color seem to overlap, shift and permeate each other. The spatiality in Sophia Schama’s paintings has not only a visual but also a tactile quality. The surface of her paintings often appears relief-like, the paint seems to detach itself from the canvas and assert its own space.

In the interplay of hard, almost technical lines and soft, organic structures, Sophia Schama uses geometric elements that look like grids, tubes or architectural fragments, but never completely merge into a recognizable function. They remain hints that combine with painterly gestures and spontaneous placements. She sets an accent against quick identification and certain labeling. Instead, the works invite the viewer to engage in an open process of seeing, in which meaning, form and space are constantly shifting.

Sophia Schama (*1966 in Sofia, Bulgaria) studied at the Dresden Academy of Fine Arts and graduated in 2000 as a master student of Ralf Kerbach.
Sophia Schama has been a member of the Saxon Academy of Arts since 2013 and held a deputy professorship for painting at Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle from 2016-2018. She lives and works in Berlin.

KAZUKI NAKAHARA – Light field // EN

Kazuki Nakahara’s drawings unfold a quiet, meditative presence. Using colored pencil, charcoal and the fine structures in self-made paper, he creates linear pictorial worlds that appear both technical and organic in their transparency and complexity. Lines condense into networks, dissolve at rhythmic intervals, intersect, flow apart – a quiet interplay between structure and dissolution, order and chance. The patient repetition of lines creates moments of inner concentration and outer movement – like a visual breathing rhythm.

Deeply rooted in the tradition of Japanese calligraphy, which was passed on to him by his father and grandfather, Kazuki Nakahara transforms this technique into a contemporary language. Not as a decorative quotation, but as a conceptual attitude: line as sign, as trace, as energy. The tension arises in the ambivalence – between the minimalist means and the complex structure that results.

Kazuki Nakahara was born in 1980 in the Japanese prefecture of Kagawa. He moved to Berlin in 2005, where he studied fine art under Prof. Hanns Schimansky at the Kunsthochschule Weißensee. He graduated as a master student in 2011. Since then he has lived and worked in Berlin.

Kazuki Nakahara’s works have been shown in numerous international exhibitions, including London, Berlin and Tokyo. He has received several awards for his drawing work, most recently the Egmont Schaefer Prize for Drawing in 2020. In 2024 he received the Berlin Senate’s working scholarship for visual arts, in 2022 a scholarship from the Neustart Kultur / Stiftung Kunstfonds program. Kazuki Nakahara has been a lecturer at the University of Art and Design in Pforzheim since 2023.